Les fondements de la cinématographie reposent sur plusieurs principes techniques et artistiques qui permettent de raconter une histoire visuelle à travers le cinéma. La différence d’un vidéaste professionnel et d’un amateur se situe au niveau de ces fondements. Dans cette article, vous trouverez tous les fondements cinématographiques dont vous aurez besoin pour créer des visuels uniques. Commençons par la plus célèbre : la règle des tiers
La règle des tiers
La règle des tiers est une technique de composition essentielle en cinématographie et en photographie, souvent utilisée pour rendre les plans plus esthétiques et captivants. Elle consiste à diviser l’image en neuf sections égales à l’aide de deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Les points d’intersection de ces lignes sont appelés « points forts » et sont des emplacements clés pour positionner les sujets ou les éléments visuels importants d’une scène.
Pourquoi utiliser la règle des tiers ?
- Créer de l’équilibre et de l’harmonie : Placer les sujets sur les points forts ou les lignes de tiers permet souvent de créer une composition équilibrée qui guide naturellement le regard du spectateur.
- Donner de l’espace au sujet : Cette règle permet de diriger le regard et de laisser « respirer » le sujet, notamment lorsque l’on souhaite créer un espace négatif ou accentuer une direction dans le cadre.
- Accentuer la narration : En jouant avec la règle des tiers, on peut transmettre des émotions et des informations subtiles. Par exemple, placer un personnage sur une ligne de tiers peut symboliser un sentiment d’isolement, tandis que le positionner plus central peut accentuer son importance ou sa puissance.
Application de la règle des tiers
Portraits : Les yeux du personnage sont souvent placés au niveau de la ligne horizontale supérieure, ce qui capte immédiatement l’attention.
Plans de conversation : En plan de champ contre-champ, placer les personnages aux extrémités gauche et droite permet de créer un dynamisme visuel tout en respectant la règle des tiers.
Variantes et adaptations
Si la règle des tiers est une excellente base, il est également important de savoir quand la briser pour renforcer le message ou l’émotion d’une scène. Par exemple, centrer un sujet peut être plus efficace pour des scènes intenses ou pour des compositions très symétriques.
En appliquant la règle des tiers et en jouant avec ses limites, les cinéastes peuvent guider l’œil du spectateur et renforcer l’impact émotionnel de chaque scène.
Poursuivons avec la règle suivante : La règle des 180 degré
La règle des 180 degrés
La règle des 180 degrés est un principe fondamental de continuité visuelle en cinéma, conçu pour maintenir la cohérence spatiale et éviter la confusion chez le spectateur. Elle s’applique particulièrement lors de scènes de dialogue entre deux personnages, mais peut aussi être utile dans toute scène d’action où il est essentiel de garder un repère spatial clair.
Principe de la règle des 180 degrés
La règle des 180 degrés impose qu’une caméra ne doit pas franchir une ligne imaginaire, souvent appelée « ligne d’action » ou « axe de regard », qui relie deux personnages ou deux éléments principaux de la scène. Cette ligne divise l’espace en deux côtés, et la caméra doit rester d’un seul côté de cette ligne pour que les personnages ou objets restent positionnés de manière cohérente dans le cadre.
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Maintenant que nous connaissons la règle des 180 degrés, poursuivons avec la prochaine règle le cadrage.
Le cadrage
Le cadrage en cinématographie est l’art de composer l’image dans un cadre, c’est-à-dire de choisir ce qui apparaît à l’écran et comment. Ce processus implique des décisions importantes, notamment sur l’angle de vue, la distance de la caméra, et l’emplacement des éléments au sein du cadre. Le cadrage est crucial pour transmettre une émotion, mettre en valeur un personnage ou un objet, ou encore diriger l’attention du spectateur vers un élément précis.
- Avant de cadrer, il est important de comprendre l’objet ou le personnage principal de la scène et ce que vous voulez exprimer. Le cadrage doit guider le spectateur vers le point focal de l’image, qu’il s’agisse d’un personnage, d’un objet ou d’une émotion spécifique.
- L’intention narrative influe également sur la façon dont vous choisissez de cadrer : voulez-vous créer une atmosphère intime, dramatique, ou détachée ? Ce choix influencera les plans et les angles.
La ligne directrice
La ligne directrice en cinématographie, aussi appelée ligne de force ou ligne de composition, est un élément visuel qui guide le regard du spectateur dans le cadre. Elle joue un rôle clé dans la composition de l’image, influençant la façon dont le public perçoit l’espace, le mouvement et l’attention dans la scène. Les lignes directrices peuvent être des lignes réelles ou suggérées, créées par divers éléments dans l’image tels que l’architecture, les objets, les mouvements ou même le positionnement des personnages.
Types de Lignes Directrices
Lignes horizontales :
- Évoquent généralement la stabilité, la paix et l’harmonie. Elles sont souvent utilisées dans des paysages ou des scènes calmes.
Lignes verticales :
- Transmettent une impression de force, de puissance ou de croissance. On les retrouve souvent dans des plans avec des bâtiments, des arbres ou des personnages en pied.
Lignes diagonales :
- Créent un effet de mouvement, de dynamisme ou de tension. Elles orientent l’œil vers une direction spécifique et peuvent renforcer la perspective.
Lignes courbes :
- Apportent douceur, fluidité et harmonie. Elles peuvent aussi ajouter un sentiment de mystère ou d’intrigue, en particulier si elles créent des courbes qui mènent à un point hors champ.
Lignes convergentes :
- Lorsque plusieurs lignes se rejoignent vers un même point, elles dirigent fortement le regard vers cette zone du cadre, créant un point de focalisation ou une « perspective de fuite ». Cela est fréquent dans les scènes utilisant la profondeur de champ pour attirer l’attention sur un personnage ou un objet particulier
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Les mouvements de la camera
Les mouvements de la caméra en cinématographie sont des techniques essentielles pour donner vie aux scènes, enrichir la narration, et guider le regard du spectateur. Chaque mouvement de caméra peut transmettre une émotion spécifique, accentuer un moment, ou offrir un nouvel angle de vision. Voici les principaux mouvements de caméra et leurs effets :
1. Le panoramique
- Définition : Mouvement de rotation de la caméra sur son axe horizontal ou vertical.
- Utilisation : Il est souvent utilisé pour suivre un sujet en mouvement, dévoiler un décor, ou créer un effet de transition entre deux éléments.
- Effet : Donne une vue d’ensemble et peut créer un sentiment de découverte ou de surprise en fonction de la vitesse du panoramique.
2. Le travelling
- Définition : Déplacement de la caméra sur un axe horizontal ou vertical, souvent à l’aide de rails, d’un chariot, ou d’un stabilisateur.
- Types de travelling :
- Travelling avant : La caméra se rapproche du sujet, créant une sensation d’immersion ou de rapprochement émotionnel.
- Travelling arrière : La caméra s’éloigne du sujet, ce qui peut créer une distance émotionnelle ou dévoiler un contexte plus large.
- Travelling latéral : La caméra se déplace horizontalement par rapport au sujet, souvent utilisé pour suivre un personnage en mouvement.
- Travelling circulaire : La caméra tourne autour du sujet, créant un effet immersif ou dramatique.
- Effet : Le travelling permet de renforcer la dynamique et d’ajouter de la profondeur à la scène.
3. Le tilt (inclinaison)
- Définition : Mouvement vertical de la caméra sur son axe, du bas vers le haut (tilt up) ou du haut vers le bas (tilt down).
- Utilisation : Souvent utilisé pour explorer la taille d’un objet ou d’un bâtiment, ou pour introduire un personnage ou un lieu progressivement.
- Effet : Crée un sentiment de grandeur, de découverte ou de mystère, selon le contexte de la scène.
4. Le zoom
- Définition : Variation de la focale de l’objectif pour rapprocher ou éloigner visuellement le sujet sans déplacer la caméra.
- Types de zoom :
- Zoom avant : La focale s’allonge pour rapprocher l’image, créant souvent un effet de tension.
- Zoom arrière : La focale se raccourcit, élargissant le champ et offrant une vue d’ensemble.
- Effet : Contrairement au travelling, le zoom modifie uniquement la focale et peut donner un effet de compression de l’image, accentuant l’intensité sans mouvement réel.
5. Le dolly zoom (effet Vertigo)
- Définition : Technique qui combine un travelling avant ou arrière avec un zoom dans la direction opposée.
- Utilisation : Utilisé pour créer un effet de distorsion, généralement pour renforcer une sensation de malaise ou de surprise.
- Effet : Donne l’impression que l’arrière-plan se déforme autour du sujet. Cet effet est souvent utilisé pour souligner un moment de révélation ou de tension intense.
6. Le mouvement de la caméra à l’épaule
- Définition : La caméra est portée à l’épaule, créant des mouvements légèrement instables et naturels.
- Utilisation : Souvent employé pour les scènes documentaires ou les films d’action afin de renforcer l’authenticité et l’immersion.
- Effet : Apporte un style brut et réaliste, donnant l’impression que le spectateur est au cœur de l’action.
7. La caméra stabilisée (steadycam ou gimbal)
- Définition : La caméra est fixée à un stabilisateur, ce qui permet des mouvements fluides même lorsque le vidéaste se déplace.
- Utilisation : Utilisé pour des prises de vue en mouvement, comme suivre un personnage dans une scène complexe.
- Effet : Permet un mouvement stable et fluide, idéal pour une immersion sans à-coups.
8. Les mouvements de caméra en drone
- Définition : La caméra est montée sur un drone pour capturer des plans aériens.
- Utilisation : Idéal pour des vues panoramiques, survoler des paysages ou montrer un environnement à grande échelle.
- Effet : Apporte une dimension spectaculaire et une perspective unique, créant souvent un sentiment de liberté ou d’exploration.
9. Le rack focus (changement de mise au point)
- Définition : La mise au point est modifiée pendant le plan pour diriger l’attention du spectateur d’un sujet à un autre.
- Utilisation : Souvent utilisé pour passer l’attention d’un sujet à un autre sans couper la prise.
- Effet : Dirige le regard et l’attention du spectateur, créant un lien entre deux éléments de la scène.
Les angles de la camera dans la vidéographie
Les angles de caméra jouent un rôle fondamental en cinématographie, car ils influencent la perception du spectateur, créent des significations visuelles et apportent des nuances émotionnelles aux scènes. Voici les principaux angles de caméra et leurs effets sur la narration :
1. Angle Plongée
- Description : La caméra est placée au-dessus du sujet, orientée vers le bas.
- Effet : Ce type de cadrage tend à diminuer le sujet, le rendant plus vulnérable ou faible. On l’utilise souvent pour montrer un personnage dominé ou dans une situation de soumission ou de danger.
2. Angle Contre-plongée
- Description : La caméra est placée en dessous du sujet, orientée vers le haut.
- Effet : La contre-plongée donne une impression de grandeur et de puissance au personnage ou à l’objet filmé. Elle est souvent utilisée pour montrer un personnage dominant, héroïque ou intimidant.
3. Angle Normal ou à Hauteur des Yeux
- Description : La caméra est placée à la hauteur des yeux du sujet.
- Effet : Cet angle offre une vision neutre et réaliste, créant un effet naturel qui met le spectateur au même niveau que le sujet. Il est couramment utilisé pour des dialogues ou des scènes qui ne cherchent pas à imposer une perspective particulière.
4. Plan en Contre-plongée Extrême
- Description : La caméra est placée très bas, parfois au niveau du sol, et orientée fortement vers le haut.
- Effet : Ce plan donne une impression encore plus prononcée de puissance et de monumentalité. Utilisé de manière subtile, il peut accentuer une ambiance dramatique ou accentuer la perspective.
5. Plongée Extrême
- Description : La caméra est placée directement au-dessus de la scène, créant une vue aérienne à 90 degrés.
- Effet : Cet angle donne une perspective détachée, voire omnisciente, permettant de voir l’action de manière plus objective. On l’utilise souvent pour montrer un lieu ou une scène complexe, ou pour offrir une vision différente et stylisée.
6. Plan Oblique
- Description : La caméra est inclinée de manière à ce que l’horizon ne soit plus droit, mais penché.
- Effet : L’inclinaison crée une sensation de déséquilibre, de chaos ou de confusion. Cet angle est souvent utilisé pour les scènes de suspense, de danger ou pour exprimer l’état mental perturbé d’un personnage.
Les plans en cinématographie
En vidéographie, les plans sont les différents cadrages utilisés pour filmer un sujet, un objet ou un paysage. Ils déterminent la proximité entre la caméra et le sujet, et ils sont essentiels pour structurer la narration visuelle, susciter des émotions et transmettre des informations. Voici les principaux types de plans en vidéographie et leurs effets :
1. Plan d’Ensemble
- Description : Cadrage très large qui montre le sujet dans son environnement global.
- Effet : Utilisé pour situer l’action, le lieu et l’atmosphère de la scène. Il peut donner une idée de l’échelle ou de l’isolement du sujet, ou encore pour montrer l’interaction du personnage avec son environnement.
2. Plan de Demi-Ensemble
- Description : Cadrage large qui inclut encore une grande partie de l’environnement, mais qui se concentre un peu plus sur le personnage ou le groupe de personnages.
- Effet : Permet de montrer les interactions entre les personnages tout en laissant une idée de l’environnement. Ce plan est souvent utilisé pour les scènes où l’action et le contexte sont importants.
3. Plan Moyen
- Description : Le sujet est cadré de la tête aux pieds, occupant la majorité de l’espace dans le cadre.
- Effet : Ce plan est idéal pour montrer les actions ou mouvements d’un personnage tout en capturant quelques éléments de l’arrière-plan. C’est un compromis entre plan de proximité et plan d’ensemble.
4. Plan Rapproché Taille
- Description : Le personnage est cadré de la tête jusqu’à la taille.
- Effet : Ce plan équilibre bien les expressions faciales et le langage corporel. Souvent utilisé dans les scènes de dialogue, il permet d’obtenir une vue plus personnelle sur le personnage tout en gardant des détails contextuels.
5. Plan Rapproché Poitrine
- Description : Le personnage est cadré de la tête jusqu’à la poitrine.
- Effet : Ce plan offre une vue plus intime sur le personnage, capturant mieux les émotions et expressions faciales. Il est souvent utilisé pour des dialogues intenses ou pour transmettre une émotion spécifique.
6. Gros Plan
- Description : La caméra se concentre sur le visage ou une autre partie spécifique du sujet.
- Effet : Le gros plan est idéal pour exprimer les émotions et les réactions du personnage. Il élimine les distractions de l’arrière-plan, permettant au spectateur de se concentrer entièrement sur le visage ou le détail filmé
La mise en scène
La mise en scène en cinéma (ou en théâtre) est l’art de composer et d’organiser tous les éléments visuels, sonores et narratifs d’une scène pour créer une histoire et transmettre des émotions de manière efficace. Elle inclut le placement des acteurs, les décors, l’éclairage, les mouvements de caméra, les costumes, les accessoires et le son. La mise en scène est un processus collaboratif, mais elle est généralement dirigée par le réalisateur ou le metteur en scène, qui utilise ces éléments pour donner vie à sa vision et guider la compréhension et les émotions du public.
Voici les principaux aspects de la mise en scène :
1. La Direction des Acteurs
- Description : Le réalisateur travaille avec les acteurs pour définir leur gestuelle, leurs expressions faciales, leurs interactions et leur façon de dire les dialogues.
- Effet : Une bonne direction d’acteurs permet de transmettre des émotions de manière authentique, d’exprimer la psychologie des personnages, et de donner de la crédibilité aux situations.
2. Le Cadre et la Composition
- Description : Cela consiste à choisir ce qui sera visible dans le cadre de la caméra, comment les éléments seront disposés et quelle est la perspective.
- Effet : La composition guide le regard du spectateur, renforce le message visuel, et peut suggérer des relations de pouvoir ou des émotions (par exemple, un personnage cadré en haut à gauche du cadre peut paraître dominant par rapport à un personnage en bas à droite).
3. Le Décor et les Accessoires
- Description : Ce sont les éléments physiques présents dans l’espace de la scène, qui peuvent inclure les lieux de tournage, les meubles, les accessoires, etc.
- Effet : Les décors et les accessoires apportent de la crédibilité au monde du film, aident à construire l’univers du personnage et contribuent à définir l’époque, le lieu, et même l’état émotionnel d’un personnage.
4. L’Éclairage
- Description : L’éclairage définit la façon dont la lumière interagit avec les éléments de la scène, influençant l’ambiance, la température et les émotions.
- Effet : La lumière crée une atmosphère (par exemple, un éclairage doux pour une scène romantique ou un éclairage fort et contrasté pour une scène de suspense). Elle peut également diriger l’attention du spectateur vers certains détails ou personnages.
5. Le Mouvement de Caméra
- Description : Le mouvement de caméra est l’art de déplacer la caméra pour capturer l’action sous différents angles ou suivre un sujet.
- Effet : Le mouvement de caméra peut intensifier une scène (comme un travelling avant pour un moment d’intensité émotionnelle) ou donner de la dynamique à une séquence (par exemple, en utilisant une caméra portée pour une scène de course).
6. Les Costumes et le Maquillage
- Description : Les costumes, le maquillage et la coiffure contribuent à créer le style visuel des personnages et l’authenticité de l’univers.
- Effet : Ces éléments aident à placer les personnages dans une époque, un lieu ou un statut social, et peuvent aussi renforcer leur personnalité ou leur évolution au cours du récit.
En fin de compte, les bases de la vidéographie ne sont pas seulement des règles techniques à suivre, mais des tremplins vers une créativité infinie. Maîtriser la composition, la lumière, le cadrage et les mouvements de caméra vous permet de raconter vos histoires avec force et authenticité. C’est en expérimentant ces fondamentaux que vous pourrez affiner votre style unique et captiver votre public. Alors, que vous soyez débutant ou en quête de perfectionnement, souvenez-vous : chaque grand cinéaste a commencé ici, avec les bases. À vous de jouer pour transformer ces connaissances en œuvres mémorables !
